岩崎弘昌氏 インタビュー｜音は手段。大切なのは、人としてどう生きるか

偶然から始まった、オーボエとの出会い

まず、オーボエとの出会いについて教えてください。

オーボエとの出会いは、中学校の吹奏楽部が最初です。もともとは理科系のクラブを志望していて、吹奏楽をやるつもりはなかったんです。2つ上の姉が吹奏楽部に入っていて、「最初の1週間はクラブ活動の出入りが自由だ」と聞いたので、冷やかし半分で見学に行きました。ところが、見学に行ったら「岩崎（姉）の弟だ」ということで、やめさせてもらえなくなってしまって…。

全国大会に出るような吹奏楽部だったので、基本的に1年生はレギュラーにしてもらえないのですが、なぜか僕だけレギュラーにしてもらえました。

最初はファゴットの代わりとして購入していたという理由で、バスクラリネットを与えられていましたが、とにかく厳しくて、「今日こそやめよう」 と決心した日もありました。ある日、「1年生の岩崎だけ、ちょっと残れ」 と言われて、今日こそやめる宣言をしようと思っていたら、先生が 「やってみたら大変だけど、やめられないだろう」 とおっしゃった。その時、勢い余って 「はい」 と答えてしまって……今に至ります。

当時、姉はクラリネットを担当していましたが、持ち替えでオーボエに挑戦したもののうまくいかず、その年はオーボエ不在のまま活動することになりました。そして翌年、中学2年生のときに先生からオーボエを渡され、僕がオーボエを担当することになった、という流れです。

ご自身は理科系クラブに関心があったものの、二つ上のお姉さまを冷やかすつもりで訪れた吹奏楽部で、オーボエと出会ったと語る岩崎氏。

国立音楽大学を卒業と同時に札幌交響楽団へ入団されました。プロとしての第一歩は、どのような心境だったのでしょうか。

実は、もともとは音楽の教師を志望していました。大学1年生の夏に先輩の紹介で、静岡でプロのオーケストラのエキストラとして演奏する機会があり、その後、狭い世界なのでいろいろと声をかけていただくようになりました。

学生時代のエキストラ期は、「いつか演奏家を辞めて教師になる」というつもりでいました。大学3年生の時にエキストラの仕事をすべてやめて、教員採用試験に本格的に取り組もうとしたんです。ところが、周囲からは大反対されました。

大学の先生に相談すると、「演奏を一度やめたら、なかなか戻れなくなる。このまま続けなさい」 と助言されました。さらに、中学時代の吹奏楽の恩師に相談すると、「どんな仕事でも悩むものだ。どうせ悩むなら、好きなことで悩んだ方がいい」 と言われて……。その言葉で、自分は演奏が好きなのだと、そういう方向に導かれました。

そして大学4年生の時に、札幌交響楽団のオーディションに合格し、演奏家としてのキャリアが本格的に始まりました。

ドイツで感じた 「生の音楽」 の違和感

ドイツ・ハンブルクでの研修経験は、その後の演奏や音楽観にどのような影響を与えましたか。

札響に入って10年ほど経った1987年から1年間、ハンブルク国立歌劇場管弦楽団の研究生として研修に行きました。現地では、ライナー・ヘルヴィッヒ氏に師事しました。すでに僕が10年プロとして活動していたこともあり、「もう変えられない部分も多いでしょう。そのままでいいですよ」 と言われ、彼に依頼があった仕事で手が回らないものを、私に任せてくださいました。

影響というより、強く驚いたことがあります。

ウィーン・フィルやハンブルクのオーケストラを生で聴いたとき、日本で録音を通して聴いていた音とはまったく違うと感じたんです。録音された音は、どうしても電気を通した音になります。録音を基準に合わせようとすること自体が、少し違うのではないかと思いました。

ドイツやウィーンのオーケストラは、和声感が日本とは違う。アマチュアオーケストラであっても、トゥッティになると、その違いがはっきり分かりました。

ドイツに着いたばかりの頃は、「音が合っていないのでは」 と違和感を感じることもありましたが、それは日本で慣れ親しんできた、「正確で、まっすぐな線のような音の感覚」との違いだったのだと思います。一人ひとりが、それぞれの音楽を奏でている。その結果として、あの豊かな響きが生まれていると、後になって、そう理解できるようになりました。

指揮者との出会いがオーケストラに残すもの

札幌交響楽団での長いキャリアの中で、とりわけ印象に残っている演奏や共演を教えてください。

入団した1978年4月に演奏したチャイコフスキーの交響曲第5番が、翌5月に小澤征爾氏の指揮で再演されました。同じ作品を短期間で再演するのは初めての経験でした。私は新米だったので、普段は練習場に一番乗りすることが多かったのですが、その時だけは、すでに3分の1ほどの団員が集まっていて、オーケストラの雰囲気がまったく違っていました。

小澤氏はいつも通り小走りで入ってこられて、第一声が「室内楽のようにやりましょう！」。その瞬間、オーケストラは、今まで聴いたことのないような大迫力の音楽になりました。この特別演奏会は、函館、釧路、札幌、旭川の4公演が行われました。

さらに同年11月、同じチャイコフスキーの交響曲第5番を石丸寛氏の指揮で演奏した際、練習が始まってすぐに演奏が止まり、「最近、誰かの指揮でこの曲をやりましたか？」 と聞かれました。「小澤さんです」 と答えると、「それだ！ 素晴らしい演奏だから、もう練習しなくていい」 と言われたんです。

指揮者の影響が、半年もオーケストラに残る。若かった私にとって、オーケストラの財産がどのように育まれるのかを実感した出来事でした。

札響での長いキャリアの中には、数えきれないほど忘れがたい思い出があり、その中から何とか絞ってお話しくださいました。

エッシェンバッハ氏との共演も、長く印象に残っているそうですね。

エッシェンバッハ氏が指揮者として活動し始めた頃、1979年に札響で、モーツァルトのピアノ協奏第21番、第27番を弾き振りされ、交響曲第39番を指揮されました。

その後、1994年に開催されたPMF（パシフィック・ミュージック・フェスティバル 札幌）で再び共演したときには、すでに大巨匠になっていました。その頃は、感情の発露や高揚感が大きく感じられ、時の流れと音楽家としての深化を強く感じました。

その際は、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第2番を弾き振りし、交響曲第7番を指揮されました。第7番はオーボエが活躍する作品でもあり、いろいろと意見交換をさせてもらったことも、忘れられない思い出です。

ホールが変えた、意識と音楽

1997年にKitaraが本拠地となってから、オーケストラやご自身に変化はありましたか。

それまでは、札幌にクラシック音楽専用のホールがありませんでした。Kitara ができたことで、プロとしての意識が1段、2段と上がったように感じました。ベルリン・フィルやウィーン・フィルが来日公演で演奏するのと同じホールで、私たちも演奏する。それは、世界のステージに立った感覚でもありました。

響きの良いホールということは、どんな音も聞こえてしまうということでもあります。バランス、音色、音楽的な表現を、より繊細に考えるようになりましたし、結果としてオーケストラ全体のレベルも上がったと思います。オーボエ奏者としても、リードの仕上げをより繊細にする必要性を強く感じるようになりました。

開館当初の1998年1月9日、「Kitaraのニューイヤー」公演の様子。（写真提供：札幌コンサートホール Kitara）

オーボエが担う役割

ソリストや室内楽では、オーボエの魅力をどのように伝えようとされていますか。

フレーズ感、音色感を大切にして、とにかく気持ちよく聴いていただきたい、という思いがあります。ソロや室内楽では、クラシックに限らず、演歌、歌謡曲、ポップスなど、ジャンルにこだわらず、良いものは良いとして演奏したい。オーボエという楽器を、まず知ってもらいたいんです。

オーケストラの中でのオーボエの役割については、どのように考えていますか。

今はトレンドが違うかもしれませんが、私が受けた教育では、「オーケストラの中では、必ずオーボエが聞こえるべき」と教えられました。ある時、「ソロはお前の音楽だから好きにしろ。大事なのはトゥッティだ。トゥッティでは、オーボエは音色の要にならなければならない」　と言われたことが、今も強く残っています。

「いつでも、どこでも、音楽を！」

アンサンブルグループ「奏楽（そら）」の活動について教えてください。

2008年から、アンサンブルグループ「奏楽」の活動を行っています。オーケストラでのクラシック音楽は、西洋音楽の歴史的背景もあり、どうしても「権威」のようなものを背負ってしまう部分があります。そこから少し離れて、より聴衆に近い音楽を届けたいと思いました。「いつでも、どこでも、音楽を」をモットーに、幼児からお年寄り、病気で苦しんでいる方にも音楽を届ける活動をしています。

極端な例ですが、保護犬のために演奏してほしいと頼まれたこともありました。きっと犬は走り回って聴かないだろうと思っていたら、じっと座って聴いているんですよ。

福祉的な演奏、教育的な演奏、純粋な音楽活動 ― この3本柱を意識して活動しています。

音楽が人の心を動かす瞬間

被災地支援や地域での演奏活動を通して、音楽の力をどのように感じていますか。

東日本大震災から半年後に被災地を訪れました。皆さん疲弊され、表情も乏しく、厳しい状況にあることが伝わってきました。学校での演奏を終えたあと、校長先生が「初めて、自分も被災者の一人なのだと気づきました」と語ってくださいました。その言葉を聞いたとき、音楽には人の感情を本当に動かす力があるのだと、あらためて実感しました。

「ホームホスピスコンサート」という活動も行っています。ご要望があって、環境や条件が整った場合に、在宅療養されている方のお宅に伺い、ベッドサイドで演奏します。それまで寝たきりだった方が、演奏当日は身なりを整え、微笑んで聴いてくださる。医師も驚くようなことが起こる。そうした体験を重ねる中で、音楽の力を信じて活動を続けています。

2024年7月、岩崎氏の故郷・北海道滝川市にて開催された、アンサンブルグループ「奏楽」のコンサートより。左から、岩崎氏（オーボエ）、前田朋子氏（ピアノ）、畑田咲藍氏（ホルン）、石黒玲氏（ファゴット）、福井遥香氏（クラリネット）。

教育と、人としての在り方

若い奏者や学生に、最も伝えたいことは何でしょうか。

「どうしたらいいですか」と聞かれることが多いですが、音楽はその人の心の中にあるものだと思っています。「自分がどうしたいか」を考えられる人になってほしい。技術だけでなく、「人としてどう生きるか」が大切だと思います。

音楽家にとって「音」は手段です。目的は、それ以外のところにある。音が目的にならないように、その先にあるものを大事にしてほしいですね。


〈ビュッフェ・クランポン〉のオーボエについて、どのように感じていらっしゃいますか。

全モデルを所有していますが、どれも完成された楽器です。“Prestige（プレスティージュ）” は、バランスが良く、トゥッティでも負けない芯の太い音が出る。屋外ではグリーンラインを使っています。

“Virtuose（ヴィルトーズ）” は、繊細で輝かしい響き、音程感も優れていて、おしゃれな音がする楽器です。

“Légende（レジェンド）” は、輝かしさに柔らかさが加わった音色で、非常に柔軟。現在はハイブリッドを一番使っています。

ビュッフェ・クランポンの楽器は、演奏者の音色感をとても正直に表現してくれます。演奏者の状態が悪いと応えてくれないこともありますが、それはまるでストラディバリウスのよう。無言で教えてくれる楽器です。メカニズムも優れていて、故障や狂いが少なく、「こんなに簡単に吹けるんだ」　と感じてもらえると思います。


〈ビュッフェ・クランポン〉創立200周年に寄せて、メッセージをお願いします。

オーボエは演奏するのも、作るのも非常に難しい楽器です。ビュッフェ・クランポンの楽器は、購入してすぐ本番で使える状態にしてくれている。その安定性が、オーボエ界全体のレベルアップにつながっていると思います。

テクニカルサポートの技術者の方々の技術、人柄も素晴らしい。常に「主治医」として、演奏活動を支えてくださいました。これからも、オーボエ界を引っ張っていってほしいと願っています。

オーボエをより身近な存在へ

これからのオーボエ界をどのように見ていらっしゃいますか。あわせて、若手奏者への期待や、ご自身が今後目指していきたいことについてお聞かせください。

ジャンルを超えて、オーボエの魅力を発信してほしいですね。「個別性」を持った奏者が、どんどん出てくることを期待しています。かつてオーボエはその難しさから「幻の楽器」「特殊楽器」と言われていました。なので、あえて言うとしたら、若い方々に、フルートやトランペットのように、オーボエが誰もが知り、手に取れる楽器になるよう、普及にも力を尽くしてほしい。

私自身は、北海道で生演奏を聴いたことのない方々に、少しでも多く音楽を届けたい。そして、地方の子どもたちが、正しい状態の楽器とリードでオーボエに触れられる環境づくりに、これからも協力していきたいと思っています。

インタビューの中で「人としてどう生きるか」が大切だと、何度も語ってくださった岩崎氏。その表情はとても温かいものでした。

ありがとうございました。