伊藤圭氏インタビュー｜自分の心と音をつなぐ

クラリネットの「平坦さ」への違和感から

クラリネットとの出会いについて教えてください。

中学校では吹奏楽部に入ったんですが、そのときはトロンボーンを吹いていました。幼い頃からピアノを続けていて、音楽をやりたくて吹奏楽部に入ったんです。
ソロコンテストに出たときに、ものすごく音が出なくて、挫折を味わいました。一方で、中学生の頃から、トロンボーンを吹いている位置から聴こえてくるクラリネットの音が気になっていました。
その頃、加藤明久さんの東京クラリネットアンサンブルのCDを聴いたこともきっかけになりました。特に、何人かのクラリネットが集まったときの音色に、とても温かみがあっていいなと思ったことを覚えています。
それで高校からクラリネットに持ち替えました。

当初から音楽家を目指していたのでしょうか。

最初は教員を目指していました。
でもレッスンを受けていくうちに、クラリネットの難しさをどんどん知っていきました。「これはどうやったらできるんだろう」「どうやったらいい音が出るんだろう」と夢中になって、とにかくひたすらやっていたら、どんどん楽しくなっていった。
普通科の高校でしたが、先輩に音大や藝大へ進んだ方もいたので、「自分にも可能性があるのかな」と思い、藝大を目指しました。

東京藝術大学で学んだことの中で、今も残っているものは何でしょう。

1、2年では三界秀実先生に教わりました。それまでは感覚でやっていたことを、アンブシュアの形、口の中、舌の使い方、ブレスコントロールなど、初めて理論として学びました。それは今でも役に立っています。

3、4年で師事した村井祐児先生からは、また違った影響を受けました。音楽を演奏するうえでの「テンション」や、「演奏家とはこういうものだ」という、芸術家としての姿を見せていただきました。

村井先生は音色にもとてもこだわりがありました。当時の僕は、自分では「太くていい音だ」と自信を持っていたんですが、先生は雑音をとても嫌う方で、少しでも入ると「君はそういう音か」と。半年ぐらい同じことを言われました。
音色には人それぞれこだわりがありますから、最初は嫌でした。でも、それだけ言われたことで、自分の奏法や音色、音楽観を見直すきっかけになりました。

学生時代、影響を受けた演奏はありますか。

ブラームスのクラリネット五重奏曲が大好きで、クラリネットに持ち替えるきっかけにもなった作品です。いろいろな奏者のCDを聴きましたし、アレッサンドロ・カルボナーレの演奏からも、その表現の斬新さに刺激を受けました。

ただ、僕はクラリネットが好きな一方で、クラリネットの嫌なところもあったんです。
「どうしてクラリネットの表現って、こんなに平坦なんだろう」と思っていました。
だからクラリネットばかりを聴くのではなく、オーギュスタン・デュメイのヴァイオリンやマリア・ジョアン・ピリスのピアノなどもよく聴きました。
ほかの楽器ではどう表現しているのか。「どうやっているんだろう」と追究していましたね。

音が消えたあとの空気まで

伊藤さんにとって、クラリネットの「音色」とはどのようなものですか。

自分の人間性に一番近い音、というのかな。
僕自身、そんなに明るいほうではないんですけど、自分の感情を100％言える楽器。100％表現できる楽器です。
それだけ表現の幅が広い楽器だと思います。

楽譜を見たとき、「この音色で吹こう」という判断はどこから生まれるのでしょう。

僕たちは単旋律の楽器ですから、一段譜を見て吹くわけです。でも、それだけを見ていても楽曲の内容や奥行きは見えないですよね。
だから、そんなに弾けるわけではないですけど、自分でピアノを弾きます。

ただ、「この和音は何で」と理屈から入るというより、その和音を実際に鳴らしたとき、自分がどう感じるか。その響きから何を感じるのかを大切にしています。

そこから、実際の音色はどうつくっていくのでしょう。

まず頭が変わるわけですよね。頭というか、心というか。
そのあと何をしているのかと言われると……息も、アンブシュアも、口の中も、すべて変わっていると思います。
結局はリードの振動の仕方を変えているわけですから、身体のいろいろなところを細かく動かしているんでしょうね。

一つの音を「音楽」にするためには、どんなことを大切にしていますか。

音の出だし、発音の種類によって、その旋律の表情は決まると思っています。音の形や、そこにどう思いを込めるかは、とても大切にしています。

音を保っている間も同じです。クラリネットには基本的にビブラートがありませんから、そこで何かを変化させたり、工夫したりしなければ、「表現する」というところまでいかない。
ただ保っているだけの音には、できるだけしたくないんです。何かを増やしたり、減らしたりして、息を変化させ、表情をつける。

音の終わりも、切れるタイミングだけではありません。
そのあとの空気感までイメージして、「音が消えてから、どんな雰囲気を残したいか」ということも考えています。

伊藤さんの演奏には、一曲を大きく捉えるような流れを感じます。曲をつくるとき、どのくらい大きな単位で考えていますか。

一曲丸々です。

だって、すぐ飽きますよね。

では、その大きな流れの中で、細部はどう組み立てていくのでしょう。

自分の感情に従います。
その旋律に飽きたら、「少し速いほうがいいんじゃないか」と考えることもあります。

それから、一曲の中に大きな音や盛り上がるところが、そんなにたくさん必要だとは思っていません。
人間だってずっと騒いでいるわけではないし、ずっとテンションが高いわけでもないですよね。

頂点は一つ。できるだけ。

そこまで考えてつくった構成は、本番までに完成させておくのでしょうか。

結局、本番でしか自分のいい状態は現れないんです。
ある程度はリハーサルで決めます。でも、その段階ではまだ頭で考えている状態ですよね。
それがなくなって、本番で夢中になって吹いたときに出てくる表現があります。
だから、あらかじめつくっているものと、その瞬間に出てくるものは半々ぐらい。その日の、そのときのテンションも大切にしています。

本番でその状態まで行くことは、簡単ではないと思います。

僕は本番で緊張しないわけではなく、むしろするほうだと思います。

若い頃には、コンクールの本選で暗譜が飛んでしまったことが二度ありました。期待されていた本番で、テレビも入っていて、ものすごく緊張して、結局は自分に負けてしまった。
そのときに、「こんな思いはもう絶対にしたくない。絶対にしない」と思ったんです。

今でも、その思いで一回一回の本番を乗り切っています。

自分の歌を持ちながら、指揮者によって「すべてが変わる」

NHK交響楽団の首席奏者として、特に心がけていることはありますか。

オーケストラの一人のメンバーというのは、そんなに大きな力を持っているとは、僕はあまり思っていません。
周りにいるメンバーのテンションに支えられることもあるし、そこで自分の感情に火がつくこともあります。
そして、指揮者の意見や、その人の感情に沿った音楽をしなければいけない。そのことを繊細に捉えながら、自分自身の感情とうまく結びつけて表現することを心がけています。

指揮者との音楽づくりで、特に印象に残っている経験はありますか。

たとえばネーメ・ヤルヴィさん。リハーサルではあまり多くを話さず、冗談を言いながら進んでいくんです。でも本番になると、指揮棒によってこちらが勝手に踊らされるような感覚がある。
その人が持っている人間性のようなものがステージに現れて、それがこちらに伝わる。こちらの気持ちが動いて、音楽も動いていく。
そういう不思議な経験が印象に残っています。

ブロムシュテットさんからも、あの年齢になっても変わらない音楽への情熱、一つの音にかける思いの深さ、その愛情に感動します。

同じ作品でも、指揮者が変われば、発音や音色、フレージングまで変わるのでしょうか。

そうですね。
すべてが変わりますね。

伊藤さんにとって、良いアンサンブルとはどのようなものでしょう。

音程とか、縦のラインとか、強弱とか、そういう理屈が合うことだけが大事なのではないと思うんです。

心が一致するというか、意見が一致してまとまること。
心が合う。それぞれの人が持っている思いが合う。

コンクールに勝つことより、「その人の言葉」で吹くこと

学生の演奏を聴くとき、最初に何を見ていますか。

その曲が好きか嫌いか。愛情があるかないか。
それから、その日のコンディションです。今日は元気なのか、元気じゃないのか。リードはいいのか。

学生がそのときどんな状態にいるのかを見て、その日の指導を考えます。
一人ひとりと、曲のこと、楽器のこと、普段の生活の悩みまで、何でもよく話します。

長く楽器を吹いていると、「何のために吹いているんだろう」と思う時期がありますよね。楽器がつらくなる時期は絶対にある。
僕は、できるだけそういうふうにはさせたくないんです。
楽器をちゃんと愛して、楽しみながら付き合っていけるようにしたいと思っています。

技術的にはまだ未完成でも、「この学生は伸びる」と感じるのはどんなところでしょう。

音色のセンスと、歌心ですね。
歌えるか、歌えないか。歌心があるかどうかということは、よく見ています。

僕は、コンクールで勝てる奏者が必ずしもいい奏者だとは思っていません。
コンクールで世に出た人の演奏を聴いても、すべてに感動するわけではありませんから。
その人自身の言葉で、ちゃんと音に感情を込めて演奏できることのほうが、僕は大事だと思っています。

人前で派手に何かをアピールするということでも、単にテクニックの話でもありません。
自分が感じたものを、楽器を使ってきちんと表現すること。それを一番伝えている気がします。

今の若い奏者を見ていて、感じることはありますか。

僕らの頃にもCDはありました。でも、買わなければ聴けなかった。
今は何でもスマートフォンから流れてきますから、耳から先に情報を得ることがとても多いと思います。

この間もコンクールを聴きましたが、みんな同じような音色、同じようなテンポで演奏していて、そういう意味では個性がなくなっているように感じました。

だから、一度そういう情報から離れて、自分で楽譜を見て、伴奏をピアノで弾いてみる。
その響きから、「自分だったら何を感じるのか」を考えてほしいですね。

伊藤さんご自身が演奏するうえでも、同じことを大切にされているのでしょうか。

演奏というのは、お客さんがいて、人がいて成り立つものですよね。
自分が吹いたことによって、何か思いが共有されなければ成り立たないと思っています。

だから、一音一音に対して、自分がちゃんと愛情を持って、感情を込めること。
自分の心とその音がつながっていなければ、音楽にはならない。
芸術というところまではいけないと思っています。
すべてを、そういう音で埋めたいと思いながら吹いています。

「僕にしか表せない歌」を、隅々まで言える楽器で

長く演奏を続ける中で、変わってきたことと、変わらないことはありますか。

どういう自信なのか分からないですけど、僕にしか表せない歌心、僕の歌い方というものはある気がしています。

自分が信じている「自分の歌」は変えていないつもりです。
自分が素直に感じる気持ちも、そうですね。

変わってきたのは、ほかの人の演奏を否定せずに、いいところを見られるようになってきたことです。

自分にはできないことも見えるようになってきました。「これは一生かけてもできないんだろうな」ということも分かってくる。
年齢とともに、いろいろなことを柔軟に考えられるようになってきたと思います。

以前は演奏している最中にも、「今日はこの人が聴きに来ている」と、ものすごく気になっていたんです。
でも今は、音楽そのものにちゃんと集中できるようになってきました。

現在お使いの〈ビュッフェ・クランポン〉“Festival”は、伊藤さんにとってどのような楽器なのでしょう。

自分の音楽性や感情、自分の「サイズ」に一番合っている楽器だと思っています。

“Tosca”も使ったことがあります。もちろん操作性も高く、いい音も出ます。
ただ僕の場合は、楽器そのものの個性が強くなるほど、自分が入り込むスペースが少なくなるように感じるんです。
今“Festival”に落ち着いているのは、そういうところですね。

伊藤さんにとっては、ご自身が音をつくっていける余地があることが大切なのでしょうか。

そうですね。
自分の感情や、自分が言いたいことを、隅々まで言える楽器だから使っています。